Mi primer encuentro con la obra de Mónica Bengoa fue el 2002 mientras ella era artista en residencia en Art Omi (Ghent, Nueva York) y yo crítico en residencia. A primera vista, al entrar a su estudio, parecía estar vacío –hasta que se volvió aparente que los enchufes, luces, interruptores, etc., habían sido reemplazados por bordados y dibujos. Cuando pregunté por qué había simulado esos objetos ella explicó que su estudio “normal” era el ambiente de su casa y que se sentía llevada a simular la escena hogareña como una forma de habitar el espacio en Art Omi.

Para Bengoa su trabajo y experiencia de vida cotidiana doméstica son inseparables. Ha transformado las rutinas del vivir en arte registrándolos sistemáticamente a través de la fotografía y el dibujo. Este proceso se vuelve una forma de resistencia –al hacer los detalles mundanos de las tareas diarias significantes, de hecho se vuelven agudamente poéticos. La contradicción en su obra es que la documentación repetitiva de actos domésticos repetitivos –niños durmiendo, comiendo, lavándose, etc.–, de hecho acentúa la fragilidad de la existencia. Para citar: ”Las pequeñas diferencias entre una fotografía y la otra, entre una noche y otra, marcan un territorio en el tiempo, en el cual mi vigilancia maternal y obsesiva, fue testigo de matices apenas perceptibles: el cambio de una sábana, un pijama, un corte de pelo. Más tarde vinieron otras situaciones familiares, esas que forman al hogar…”

Una característica del trabajo de Mónica Bengoa es formar un todo con fragmentos delicados. Por ejemplo, ella construyó una imagen mural de un cuenco de baño en el baño familiar con 9.160 flores secas. Imágenes murales de niños durmiendo o llevando a cabo abluciones personales son compuestas por cientos de pequeñas fotografías de calidad de instantánea –cada una, dice ella “con la capacidad de retener en su volatilidad la presencia de esas situaciones diarias.” Es esta acción de desplazamiento de los momentos de la existencia hacia otra forma que marca el punto de su desaparición– o de su desvanecerse en el tiempo, o de ser ceremoniosamente reporteado como testimonio de la vida que esta pasando constantemente.

Este concepto del arte como proceso empezó temprano en la formación artística de Bengoa, en forma de fotografía documental con ella misma como sujeto, como también con grandes dibujos murales basados en gráficos de carta sinóptica sacados de un viejo atlas. Ella se interesaba en cómo cosas tales como territorios, fronteras políticas o étnicas podían ser reemplazadas por las divisiones cromáticas de un muestrario de colores. El sentido del color derivado de esos muestrarios fue más tarde traducido a su opción por los verdes y cafés opacos contenidos en las pequeñas fotografías instantáneas baratamente impresas en casa, que componen sus trabajos a gran escala.

Sobrevigilancia (4.45 x 11.78 metros) 2001, el mural de un cuenco de baño hecho de flores secas marcó una importante transición en su obra, en la cual empezó a traspasar fotografías hacia materiales que componían su domicilio, como flores, servilletas, bordados y tales. Esto era acompañado por una traducción de la imagen fotográfica hacia el dibujo y la pintura.

Mónica Bengoa reconoce una amplia influencia –de Donald Judd a Cindy Sherman, Gerhard Richter, Anne Hamilton y otros. En particular las “Series de Películas sin Títulos” de Sherman y la detallada documentación gráfica del cuerpo de Anette Messager. También le interesan el uso de la referencia fotográfica y su traducción a la pintura de Richter. El uso de procesos repetitivos en la obra de Hamilton también ha sido importante para su desarrollo del entendimiento de la poderosa resonancia de las pequeñas acciones. Los escritos de Agota Kristof también han formado hasta cierto punto su idea de la resistencia personal –de trascender lo mundanal y los sufrimientos de la vida diaria para que así el espíritu pueda perdurar y ser fortalecido por la experiencia.

La contradicción de escala es un elemento esencial para el trabajo de Bengoa. Los componentes individuales tienen una calidad efímera que expresa una fragilidad conmovedora –aun recopiladas forman una imagen monumental que puede dominar un espacio. Pueden ser leídos íntimamente tanto a corta distancia o de una distancia. En un sentido los fragmentos de su trabajo contienen el todo, un tipo de caballo de Troya que subrepticiamente insinúa un paquete mucho más grande. No solo está la escala de las dimensiones sino también la del tiempo. Una cascada de pequeñas fotografías de sus hijos montada en filas sobre una pared se leen como fotogramas de una película –una continuidad fragmentada que forma un calendario de pequeños momentos de la vida familiar– al parecer insignificantes en parte, pero de gran consecuencia como un todo.

10:04, Domingo son dos trabajos fotográficos impresos cada uno en 400 piezas (10 × 30 cm cada una) de papel acuarela. Los dos trabajos (cada uno con una medida total de 2 × 3 metros), que forman una imagen de ella dormida en su dormitorio, están instalados contiguamente. Al principio el espectador es absorbido por el detalle y textura de los fragmentos acuarela –en sus campos monocromáticos– para después alejarse más para percibir el estar en esa pieza en la silenciosa presencia de la mujer durmiente. Este retrato de un descanso, fragmentado en una serie de secuencias da cuerpo al pasado, presente y futuro como un retorno repetitivo como el ritmo de la respiración de alguien durmiendo.

El trabajo de Mónica Bengoa no es meramente un proceso de documentación, sino de proteger su domicilio –de hacerlo resistente a través de su metamorfosis hacia lo monumental. Esta no es una fortificación directa –es tanto frágil como segura– expresando simultáneamente vulnerabilidad y fortaleza. Crea un retrato tangible de la vida al mismo tiempo de reconocer su transición –la presencia del momento registrado confesando su inevitable desaparición.

Yu Yeon Kim
Curadora independiente

Monumental Fragility. The work of Monica Bengoa

My first encounter with the work of Mónica Bengoa was in 2002 while she was an artist-in-residence at Art Omi (Ghent, New York) and I was the critic-in-residence. At first glance, on entering her studio, it appeared empty –until it became apparent that the sockets, light switches so on, had been replaced by embroideries and drawings. When asked why she had simulated these objects she explained that her normal “studio” was her home environment and that she felt compelled to simulate the home setting as a way of inhabiting the space at Art Omi.

For Bengoa, her work and everyday domestic life experience are inseparable. She has transformed the routines of living into art by systematically registering them through photography and drawing. This process becomes a form of resistance –by making the mundane details of everyday tasks significant, they become acutely poetic. The contradiction in her work is that the repetitive documentation of repetitive domestic acts –children sleeping, eating, washing, etc., actually accentuates the fragility of existence. To quote: ‘The small differences between one photo and another, between one night and another, mark a territory in time, where my maternal and obsessive vigilance, bore witness to barely perceptible nuances: the change of a bed sheet, a pajama, a haircut.  Later came other familiar situations, those that shape the home…”

A characteristic of Mónica Bengoa’s work is to form a whole from delicate fragments. For example, she constructed a mural image of a wash basin in the family bathroom with 9,160 dyed flowers. Muralist images of children sleeping or performing personal ablutions are composed of hundreds of small photographs of snapshot quality –each one, she says “with the capacity of retaining in its volatility the presence of those daily situations”. It is this act of displacement of the moments of existence to another form that marks the point of its disappearance –of its fading in time, or of being ceremoniously covered as a testimony to life that is continuously passing.

This concept of art as process started early in Bengoa’s artistic formation as documentary photography with herself as a subject as well as large mural drawings that were based on climate card graphics taken from an old atlas. She was interested in how such things as territories, political and ethnic boundaries could be replaced by the chromatic divisions  of a colour chart. The colour sense derived from these charts later translated into her choice of the muted greens and browns contained in the small snapshot photographs printed cheaply on her home printer, that are composite of her large scale works.

Sobrevigilancia/Over Vigilance (4.45 x 11.78 meters) 2001, the mural of a wash basin made of dried flowers, marked an important transition in her work where she began to transpose photographs on to materials that comprised her domicile, such as flowers, napkins, embroidery and so on. This was accompanied by a translation of the photographic image into drawing and painting.

Mónica Bengoa admits to a wide influence –from Donald Judd to Cindy Sherman Gerhard Richter, Anne Hamilton and others. In particular, Sherman’s “Untitled Film Series” and Anette Messager’s minute photographic documentation of her body. She is also interested in the Richter’s use of photographic reference and translation into painting. The use of repetitive process in Hamilton’s work has also been important to her development in understanding the powerful resonance of small actions. The writings of Agota Kristof have also shaped to an extent her idea of personal resistance –of transcending mundanity and sufferings of everyday life so that the spirit may endure and be strengthened by experience.

The contradiction of scale is an essential element for Bengoa’s work. The individual components have an ephemerality that conveys a poignant fragility –yet recompiled they form a monumental image that can dominate a space. They can be read intimately at close range or from a distance. In a sense, the fragments of her work contain the whole, a kind of Trojan horse that surreptitiously insinuates a much larger package. There is not just the scale of dimension but also of time. A cascade of small photographs of her children mounted in rows on a wall read like film stills –a fragmented continuity that forms a calendar of small moments of family life– seemingly insignificant in part but of great consequence as a whole.

10:04, Dominigo/10:04, Sunday is two photographic works each printed on 400 pieces (10 x 30 cm each) of watercolor paper. The two works (each with an overall measurement of 2 meters by 3 meters) which form an image of herself asleep in her bedroom, are installed adjacently. The viewer is at first absorbed by the detail and texture of the water colour fragments –in their monochromatic fields– and then stepping further back there is a sense of being in that room with the quiet presence of the sleeping woman. This portrait of a rest, fragmented into a series of sequences embodies the past, present and future as a repetitive return like the rhythm of a sleeper’s breath.

Mónica Bengoa’s work is not merely a process of documentation, but of securing her domicile –of making it resistant through its metamorphosis to the monumental. This is not a straightforward fortification –it is both fragile and secure– simultaneously expressing vulnerability and endurance. It creates a tangible portrait of life while acknowledging its transience –the presence of the recorded moment intimating its inevitable disappearance.

Yu Yeon Kim

Monumental Fragility, The work of Mónica Bengoa, in monographic book Cuaderno en Mano, p.48-50. Santiago, Chile. 2004